Wright, Virginia (1929)

Virginia Wright fue una figura icónica en la comunidad artística de Seattle: coleccionista, educadora, galerista, curadora, recaudadora de fondos, partidaria y fundadora del Virginia Wright Fund, que defendía el arte en lugares públicos. Junto con su esposo Bagley Wright, construyó una renombrada colección de arte moderno y contemporáneo y luego donó gran parte de ella para exhibición permanente en el Museo de Arte de Seattle, la Galería de Arte Henry y el Museo de Historia y Arte Whatcom. Cuando murió en 2020 a los 91 años, Wright fue aclamada como "el ícono de Seattle [que] cambió el panorama cultural del noroeste del Pacífico" (Kiley).

Seattle, Vancouver, Nueva York

Virginia "Jinny" Prentice Bloedel Wright nació en 1929 en Seattle de Prentice Bloedel (1900-1996) y Virginia Merrill Bloedel (1902-1989). Los abuelos de Wright, RD (Richard Dwight) Merrill (1869-1964) y JH (Julius Harold) Bloedel (1864-1957), fueron empresarios exitosos en la industria maderera del noroeste, y el padre de Wright hizo lo mismo. Wright pasó gran parte de su infancia en Vancouver, Columbia Británica, donde su padre supervisó las explotaciones madereras canadienses de la familia. La familia regresó a Seattle en 1950.

Wright conoció la historia del arte a través de los libros y tomó clases de dibujo cuando era niña. Mientras asistía a The Masters School, un internado al norte de la ciudad de Nueva York, se comprometió aún más con el arte a través de clases de estudio y excursiones a museos. Después de graduarse de la escuela secundaria, Wright regresó a Vancouver y asistió brevemente a la Universidad de Columbia Británica antes de regresar a Nueva York para asistir a Barnard College. Estaba interesada en aprender más sobre la historia del arte, y en Barnard se especializó en la materia, tomando clases con estudiosos del arte que inspirarían una pasión que duraría el resto de su vida.

Después de terminar la universidad en 1951, Wright se quedó en Nueva York y trabajó en la Galería Sidney Janis. Comenzó a comprar pinturas en galerías de Nueva York: obras de Willem de Kooning (1904-1997), Philip Guston (1913-1980), Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970) y los artistas del noroeste Mark Tobey ( 1890-1976) y Morris Graves (1910-2001). Estas obras apenas eran conocidas fuera de unas pocas personas bien conectadas y eran asequibles, y muchas costaban solo unos pocos cientos de dólares.

Durante este tiempo, comenzó a salir con el periodista Charles Bagley Wright (1924-2011), conocido como "Bagley". Se casaron el 29 de agosto de 1953 en la Catedral de San Marcos en Seattle. Vivieron en Nueva York desde el comienzo de su matrimonio y fueron reconocidos como coleccionistas. Disfrutaban yendo a galerías y museos y comprando arte juntos, aunque era Virginia quien finalmente determinaba las compras.

Construyendo la colección

Los Wright formaron una familia con los gemelos Merrill y Charles en 1954. En 1955, se mudaron a Seattle, compraron una casa en Madison Valley y continuaron construyendo su colección. Inicialmente, compraron obras de artistas del Noroeste: Tobey, Graves y William Ivey (1919-1992). El centro del mundo del arte contemporáneo, sin embargo, permaneció en Nueva York, y Wright entendió que era necesario regresar allí periódicamente para construir la colección. A fines de la década de 1950 y principios de la de 1960, asistió a exposiciones en galerías de Nueva York y compró obras de Franz Kline (1910-1962), Arshille Gorky (ca. 1904-1948), Jasper Johns (n. 1930) y Robert Rauschenberg (1925-1962). 2008). Los Wright ahora habían adquirido más pinturas de las que podían caber en su hogar y comenzaron a considerar cómo sus compras podrían complementar las posesiones de arte contemporáneo de la institución de arte local, el Museo de Arte de Seattle (SAM).

En 1957, Wright comenzó un programa de formación docente de dos años en SAM y fundó y se convirtió en presidente del Consejo de Artes Creativas de SAM, un grupo de jóvenes coleccionistas. En 1959, completó su formación docente y comenzó a dar giras. Ese mismo año, los Wright hicieron sus primeras donaciones a SAM: obras de William Ward Corley (1920-1962) y Morris Graves. En 1960, Wright se unió a la Junta de Síndicos de SAM. Richard Fuller (1897-1976), el venerable fundador y director de SAM, no estaba interesado en el arte contemporáneo más allá del realizado en el noroeste del Pacífico. Wright quería cambiar eso y ayudar a SAM a desarrollar una gran colección de arte contemporáneo. Su liderazgo y tenacidad valdrían la pena.

Cuando la Feria Mundial llegó a Seattle en 1962, presentó arte moderno y contemporáneo reconocido internacionalmente a una nueva audiencia. Ambos Wright estuvieron involucrados en la Feria: Bagley estuvo detrás de Space Needle mientras que Virginia ayudó a reforzar la sección de arte. La Feria contó con una exposición de arte realizada en la década anterior. Muchos artistas de la exposición fueron reunidos por los Wright y prestaron varias obras para la exposición. Los críticos de arte locales no entendieron este nuevo trabajo y un crítico de arte del Seattle Times le preguntó a Wright, visto como un experto local en arte contemporáneo, cómo los habitantes de Seattle podrían entenderlo mejor. Wright explicó que escuchar a los propios artistas era esencial, "después de escuchar [a los artistas] durante un tiempo... comencé a ver las cosas bajo una nueva luz. Empecé a ver lo emocionantes que eran sus innovaciones" (Todd , "Los coleccionistas defienden el programa estadounidense").

En 1964, Wright fundó el Consejo de Artes Contemporáneas (CAC) de SAM, aprovechando el entusiasmo por el arte contemporáneo de la Feria. El grupo estaba formado por 25 miembros que planificaron conferencias y organizaron exposiciones. Wright recordó: "Fuimos a Fuller y le dijimos: 'Si recaudamos el dinero cada año, ¿podemos determinar qué espectáculos de arte contemporáneo vendrán a Seattle?' y, sorprendentemente, dijo que sí" (Riedel y Wright, entrevista de historia oral). El grupo obtuvo fondos a través de la Fundación Bloedel para gastos operativos y utilizó el Pabellón SAM, anteriormente el Pabellón Británico de la Feria, reclamado como espacio de exhibición SAM en 1963, para sus exhibiciones. En sus primeros tres años, el CAC realizó cinco exhibiciones y patrocinó 12 conferencias muy concurridas. Wright usó sus conexiones para traer importantes exhibiciones como "The Responsive Eye" en 1965, la primera exhibición de arte óptico que se vio en el noroeste del Pacífico, y la innovadora exhibición "557,087", en 1969, que fue una de las primeras exhibiciones del arte post-minimal y conceptual en el país. El CAC existió hasta 1975, cuando SAM contrató a su primer curador de arte moderno, lo que indica el compromiso del museo con el arte contemporáneo, impulsado en gran medida por los esfuerzos de Wright.

Durante este tiempo, la colección de Wright se estaba volviendo más experimental. Wright coleccionó Pop Art, New Realism, Assemblage, Hard Edge y piezas más excéntricas. En 1963, se unió al Consejo Internacional del Museo de Arte Moderno. Su exposición al arte contemporáneo creció y buscó el consejo de expertos para ayudar a dar forma a su colección: los galeristas André Emmerich (1924-2007) y Richard Bellamy (1927-1998) y el crítico de arte Clement Greenberg (1909-1994). Estos asesores la expusieron a las pinturas Pop Art, Minimalism y Color Field. Los pintores de Color Field se convirtieron en favoritos: Rothko, Helen Frankenthaler (1928-2011), Morris Louis (1912-1962), Kenneth Noland (1924-2010) y Ellsworth Kelly (1923-2015).

Bellamy también le presentó el trabajo de los escultores George Segal (1924-2000), Robert Morris (1931-2018) y Mark di Suvero (n. 1933). Wright formó una amistad con di Suvero y le encargó que creara una pieza en la que sus cuatro hijos, Charles, Merrill, Robin y Prentice, pudieran tocar. La pieza, Bunyon's Chess (1965), era una estructura de 22 pies de altura de troncos de cedro y estructura de aluminio. Originalmente, tenía un elemento de swing interactivo, pero di Suvero finalmente pidió a los Wright que quitaran esa parte por temor a que fuera demasiado peligrosa.

Los Wright comenzaron a exhibir su colección en la década de 1960. En 1964, la Galería de Bellas Artes de la Universidad de Columbia Británica y el Museo de Arte de Portland albergaron exposiciones de la Colección Wright. En 1966, los Wright prestaron obras para la exhibición del Festival de las Artes en el Museo del Capitolio del Estado de Washington en Olympia. En 1969, SAM organizó su primera exposición de la colección, "La colección de Virginia y Bagley Wright: artistas de los años sesenta". En 1970, su colección se mostró en Bellingham en Western Washington State College (ahora Universidad). La exposición en Bellingham marcaría el comienzo de una larga relación entre Wright y la universidad.

En 1967, los Wright y Fuller establecieron una asociación que brindó apoyo financiero a la Galería de Arte Henry de la Universidad de Washington. Más tarde también proporcionarían donaciones de arte a Henry. Patrocinaron eventos en la Cornish School de Seattle (ahora Cornish College of the Arts), incluido un taller de una semana con los pioneros de la danza y la música Merce Cunningham (1919-2009) y John Cage (1912-1992). Con el interés de Bagley por el teatro, el Seattle Repertory Theatre y, más tarde, On the Boards, había pocas instituciones culturales en Seattle que no se sintieran impactadas por la pareja.

Wright quería explorar el lado vendedor del arte y, en 1969, se convirtió en galerista. Reconociendo la explosión del grabado que está ocurriendo en Estados Unidos, inauguró la galería Current Editions en Pioneer Square de Seattle. Dedicada a este medio más asequible, la mayor parte de su inventario provino de talleres de reproducción de alta gama que trabajaron con muchos de los artistas de la colección de Wright. Mostró numerosas exposiciones y puso grabados de los artistas que amaba en manos de los habitantes de Seattle. Wright dirigió la galería hasta 1974.

El Fondo Virginia Wright

En octubre de 1969, Wright estableció el Virginia Wright Fund con una donación de $ 1 millón proporcionada por su padre. Su misión era financiar obras de arte para lugares públicos en Washington. Era el apogeo del arte público y aprovechó esta oportunidad para llevar obras a colecciones cívicas, museos y universidades. Lo dirigió con una junta y un pequeño grupo de asesores. En 1973, Wright renunció a la Junta de SAM y dedicó más tiempo al Fondo. La primera compra del Fondo fue Tobey's Parnassus (1963). Otras obras notables incluyeron el Obelisco roto de Newman (1967) para el campus de la UW, la Ilíada olímpica de Alexander Liberman (1912-1999) (1984) para el Centro de Seattle, la Sonata de Shubert de di Suvero (1992) para el Benaroya Hall de Seattle y Día/Noche (1992). ) de Hachivi Edgar Heap of Birds (n. 1954) para la colección de arte cívico de Seattle. El Fondo perduró durante 30 años, regalando más de 270 obras.

Uno de los impactos más notables del Fondo Virginia Wright fue el desarrollo de la colección de esculturas al aire libre de la Universidad de Western Washington, ahora considerada una de las 10 mejores colecciones de esculturas universitarias del país. A fines de la década de 1960, la universidad ya era un semillero de expresión artística y, a través del Fondo, las obras de di Suvero, Anthony Caro (1924-2013), Nancy Holt (1938-2014), Robert Maki (n. 1938), Donald Se agregaron Judd (1928-1994), Bruce Nauman (n. 1941) y Richard Serra (n. 1939).

En junio de 1971, el alcalde Wes Uhlman (n. 1935) formó la Comisión de Artes de Seattle (SAC), que supervisó el programa de arte cívico de Seattle y dirigió una ordenanza del "1% para el arte" a través del gobierno de la ciudad. Wright fue miembro fundador del grupo y encabezó el Comité de Arte en Lugares Públicos. Su participación condujo a la primera adquisición por parte de la ciudad de una obra monumental financiada por una ordenanza de un escultor reconocido internacionalmente: Moses (1975) de Tony Smith (1912-1980), para el Seattle Center. Cuando los fondos del 1% no pudieron cubrir completamente el costo, el Virginia Wright Fund, junto con el National Endowment for the Arts (NEA) y otros intervinieron. Wright jugó un papel decisivo en otros proyectos del 1%; ella y su fondo participaron en la selección, compra e instalación de Adjacent, Against, Upon (1976) de Michael Heizer (n. 1944) en el paseo marítimo de Seattle. Abogó por otras grandes obras públicas y formó parte del comité que seleccionó la Escultura de acero Corten sin título (1976) del escultor de Oregón Lee Kelly (1932-2022) para Louisa Boren Lookout en el Capitolio de Seattle.

Apoyando a los artistas del noroeste

Wright también promovió y apoyó a los artistas locales de otras maneras. En el verano de 1970, los Wright prestaron 25 pinturas y esculturas de nueve artistas del Noroeste al Museo del Capitolio del Estado de Washington en Olympia: obras de Tobey, Ivey, Kenneth Callahan (1905-1986), William Cumming (1917-2010), Jan Evans (n. 1927), Paul Horiuchi (1906-1999), Lee Kelly, Jack Shadbolt (1909-1998), Charles Smith (1922-2009) y Margaret Tomkins (1916-2002). Después de exhibirse en la capital, estas obras y otras de las posesiones del Noroeste de los Wright fueron donadas al Museo de Historia y Arte de Whatcom en Bellingham. Los Wright aumentaron sus donaciones de obras al Museo Whatcom en 1976 con una donación adicional de 29 pinturas, esculturas y obras en papel.

A principios de la década de 1980, Wright estableció un comité para ayudar a los artistas de Northwest a obtener oportunidades para trabajar y exhibir en Nueva York a través de una relación con Project Studios One en Long Island City. Recaudó $10,000 al año para financiar viajes, espacio de estudio y recursos para que los artistas crearan exposiciones individuales en galerías de Nueva York. Para Wright era importante que los artistas locales tuvieran la oportunidad de conocer a otros artistas, comerciantes y patrocinadores del arte en Nueva York.

Wright también continuó promoviendo la exhibición de artistas del Noroeste en casa. Trabajó con SAM para organizar una exposición retrospectiva de las pinturas de Ivey en 1975. En 1981, formó parte del comité que aseguró la financiación de los controvertidos murales de Alden Mason (1919-2013) para el edificio del Capitolio del Estado de Washington.

También alentó la colección y exhibición de arte moderno y contemporáneo de importancia nacional en Washington cuando, en 1975, estableció el Washington Art Consortium (WAC). Formó una colección de obras en papel de artistas estadounidenses que trabajaron después de 1945 que podría compartirse en varios lugares del estado. Se estableció una dotación de $100,000, financiada conjuntamente por la NEA y el Virginia Wright Fund. Cinco instituciones de Washington componían el consorcio original: el Museo Estatal Cheney Cowles Memorial (Spokane), el Museo de Arte de la Universidad Estatal de Washington (Pullman), el Museo de Arte de Tacoma, la Galería Occidental en el Colegio Estatal del Oeste de Washington y el Museo del Capitolio del Estado. El consorcio estaba dirigido por una junta directiva con la misión de brindar a los ciudadanos del estado acceso a los más altos estándares del arte estadounidense contemporáneo. Las exhibiciones se rotaron entre las instituciones del consorcio y otros museos del estado. También se agregaron obras a la colección a través de donaciones personales, incluidas las de los propios Wright.

En 1977, la colección WAC incluía 98 obras de 52 artistas, que representaban los principales movimientos artísticos de mediados del siglo XX. En 1978 se agregaron 133 trabajos fotográficos de 31 fotógrafos, financiados conjuntamente por la NEA y el Fondo Wright. En la década de 1980, se unieron tres instituciones adicionales: el Museo de Historia y Arte Whatcom, la Galería de Arte Henry y SAM. El consorcio funcionó durante 40 años, presentando más de 130 exposiciones y programas. En febrero de 2017, el WAC se disolvió y la colección y sus activos de dotación se distribuyeron entre seis instituciones del consorcio, junto con el Museo de Arte del Noroeste (La Conner) y el Museo del Vidrio (Tacoma). La colección final incluyó 411 obras de 175 artistas, creadas entre 1945 y finales del siglo XX.

Expansión de SAM

La Colección Wright siguió atrayendo la atención nacional, al igual que la reputación de Wright como experto en arte. En las décadas de 1970 y 1980, la Colección Wright se exhibió en el Museo de Bellas Artes de WSU, el Museo de Arte de Tacoma y el Museo de Arte de Denver. Wright formó parte de las juntas directivas del Museo de Arte Moderno de San Francisco, la Federación Estadounidense de las Artes y el Museo Nacional de Arte Estadounidense (ahora el Museo Smithsonian de Arte Estadounidense), y fue consultora de colecciones de arte corporativas, como Seafirst National Bank. . En SAM, estableció el Foro de Coleccionistas, un grupo privado que apoyaba el arte moderno y contemporáneo, y presidió el Comité de Colecciones del museo, el grupo que supervisaba las adquisiciones.

En 1982, Wright fue reelegido miembro de la Junta de Síndicos de SAM. Tanto ella como Bagley, quien asumió el mando del museo a fines de la década de 1970 después de la muerte de Richard Fuller, reconocieron la necesidad de expandir el espacio del museo si el arte moderno y contemporáneo, así como otras áreas de colección, iban a ser un próspero, parte permanente de la institución. En 1986, Wright se convirtió en presidente de la junta y comenzó un trabajo serio para construir un museo en el centro de Seattle. Supervisó la contratación del nuevo director de SAM Jay Gates (n. 1945) y la selección del arquitecto del nuevo edificio, Robert Venturi (1925-2018).

En 1991, se inauguró el nuevo edificio del Museo de Arte del centro de Seattle con varias galerías nuevas dedicadas al arte moderno y contemporáneo. El liderazgo de Wright aseguró el éxito del mayor proyecto de SAM desde 1933 y las donaciones de la Colección Wright elevaron el perfil de la colección de arte moderno y contemporáneo de SAM. Ese mismo año, SAC realizó "In Public: Seattle 1991", un programa iniciado por artistas que marcó la apertura de SAM en el centro y celebró la historia de encargo de arte público de Seattle. El Virginia Wright Fund contribuyó con casi la mitad de los fondos del programa, que reunió a 38 artistas de todo el mundo para crear obras temporales y permanentes en toda la ciudad, incluido Hammering Man de Jonathan Borofsky (n. 1942), una obra de acero de 48 pies de altura. silueta de un hombre que trabaja martillando metódicamente hacia arriba y hacia abajo, ubicado frente al nuevo museo en 1st Avenue y University Street. La obra fue financiada con un 1% de los fondos Art y Virginia Wright Fund.

En 1992, Wright fue invitado a ser panelista de NEA para evaluar a los solicitantes de becas de escultura. Ella había estado involucrada con la NEA anteriormente, pero la experiencia de este panel fue muy diferente. A principios de la década de 1990, la NEA experimentó una reacción violenta por su patrocinio de exhibiciones que contenían lo que algunos consideraban temas ofensivos. Wright siempre había sentido que el proceso del panel era una forma democrática y justa de hacer selecciones, y sabía que las decisiones se derivaban de un diálogo entre personas profesionales y bien informadas. Sin embargo, el proceso se vio socavado cuando, antes de completar sus deliberaciones, los panelistas se enteraron de que el director de la NEA había vetado otras decisiones del panel que incluían artistas reconocidos internacionalmente debido al tema y la falta de atractivo para una audiencia amplia. Wright creía que el arte contemporáneo nunca atrajo a un público amplio, que asumía riesgos y ampliaba los límites, y le preocupaba que la NEA censurara a los artistas. Ella y sus seis panelistas cesaron las deliberaciones en protesta. La idea de que alguien pudiera anular las decisiones del panel, porque el arte carecía de un gran atractivo, cruzó la línea. La protesta levantó las cejas y Wright respondió con un artículo de opinión en el Washington Post. Wright regresó a Seattle y enfrentó su propia reacción violenta de los políticos y expertos locales. Sin embargo, muchos habitantes de Washington apoyaron su postura.

Sin inmutarse por la reacción negativa, continuó trabajando en nombre de las artes en Seattle. En la década de 1990, se involucró en la feria de arte inaugural de Seattle. Alzó su voz en The Seattle Times en apoyo de un nuevo lugar para la Sinfónica de Seattle y, en última instancia, ella y Bagley dedicaron importantes recursos financieros a la construcción de Benaroya Hall. Los Wright organizaron eventos en su casa construida para el arte en las Tierras Altas de Seattle (donde ahora vivían) en beneficio de la Ópera de Seattle, donde Virginia era miembro de la junta. También estuvieron involucrados en el establecimiento de los padres de Wright de la Reserva Bloedel en la isla Bainbridge.

Los Wright continuaron apoyando a SAM con un enfoque en sostener los costos operativos. Un grupo de coleccionistas, encabezado por Wright, estableció Patterson Sims Fellowship and Curatorial Travel Fund en honor al subdirector de SAM, Patterson Sims, quien había sido un campeón del arte contemporáneo. El dinero del fondo se utilizó para proporcionar un apoyo sostenido para el trabajo curatorial, los viajes y las exposiciones. Los Wright también formaron parte de un grupo que aportó millones de dólares al fondo de dotación general de SAM.

Para la década de 1990, Wright había estado coleccionando durante cuatro décadas y la colección seguía el ritmo del arte del momento. Los Wright compraron nuevas obras de John Chamberlain (1927-2011), Malcolm Morley (1931-1918), John Baldessari (1931-2020), Jeff Koons (n. 1955) y Cindy Sherman (n. 1954). Los Wright comenzaron a coleccionar artistas neoexpresionistas y de la nueva ola: Julian Schnabel (n. 1951), Eric Fischl (n. 1948), David Salle (n. 1952), Susan Rothenberg (1945-2020) y Robert Longo (n. 1953). Se incorporaron artistas alemanes a la colección: Anselm Kiefer (n. 1945), Gerhard Richter (n. 1932) y Katharina Fritsch (n. 1956). Estas nuevas obras se incluyeron en la exposición de SAM de 1999, "The Virginia and Bagley Wright Collection", una exposición descrita como "un viaje en montaña rusa vigorizante, que ocasionalmente revuelve el estómago, a través de la historia del arte estadounidense desde mediados de siglo" (Updike, "Un ojo en el futuro").

Su propio espacio de exhibición

Wright disfrutó del trabajo curatorial que había realizado durante los años de la galería Current Editions y, en 1999, junto con la exhibición de la Colección Wright en SAM, abrió su propio espacio de exhibición, The Wright Exhibition Space, en Dexter Avenue en Seattle. Exhibió exhibiciones rotativas de la Colección Wright, pero también curó exhibiciones que trajeron otras obras. Incluso animó a sus hijos, que habían estado actuando como sus asesores de arte ad hoc, a crear exhibiciones en el espacio. El espacio funcionó durante 15 años y cerró en 2014.

Para SAM, los Wright habían ocupado numerosos puestos de liderazgo, brindado apoyo financiero, donado continuamente obras de su colección y, a través del Virginia Wright Fund, habían ayudado al museo a comprar una gran cantidad de obras en muchas áreas de colección. Virginia Wright fue una fuerza importante en la construcción del edificio del Museo de Arte de Seattle en el centro de la ciudad, el establecimiento de un nuevo Museo de Arte Asiático de Seattle y la dirección de la campaña de dotación de SAM. En 1999, Wright ayudó a SAM a dar otro salto adelante. SAM se asoció con Trust for Public Land para comprar una parcela de nueve acres en Seattle Waterfront con la esperanza de establecer un parque de esculturas. Wright comprometió su tiempo y recursos, uniéndose al comité para desarrollar lo que se convertiría en el Parque Olímpico de Esculturas, dando mucho tiempo, dinero y arte de su colección: obras de di Suvero, Roxy Paine (n. 1966), Tony Smith, Newman, y caro. El parque abrió sus puertas en enero de 2007 con elogios de la crítica internacional.

A principios del siglo XXI, SAM buscó expandir aún más su museo del centro. El Virginia Wright Fund aportó más de $5 millones para la expansión. En mayo de 2007, el museo rediseñado se inauguró con más de 100,000 pies cuadrados de nuevo espacio de exhibición, diseñado por Allied Works Architecture, con sede en Portland. Y, en 2008, SAM celebró su 75 aniversario. En honor a esta ocasión, SAM anunció casi 1000 obsequios de arte valorados en más de mil millones de dólares. Los Wright donaron obras de Koons, Sherman, Kiefer, Fritsch y Ellsworth Kelly. SAM fue considerado un museo de clase mundial, debido en gran parte a Virginia Wright.

Dejando un legado

Los Wright continuaron apoyando los esfuerzos artísticos en WWU hasta el siglo XXI. En 2005, anunciaron un regalo prometido de siete esculturas a la colección de arte de WWU. La curadora de la colección, Sarah Clark-Langager, dijo que el regalo de Wright les dio una "oportunidad única para detenerse y pensar [sobre] lo que estamos haciendo con la colección como un todo" (Farr, "Beautiful Burden"). Los Wright ayudaron a la universidad a obtener una subvención de la Fundación Kreielsheimer de $ 100,000 para cuidar la colección de esculturas. En 2012, Wright le dio a la universidad $ 250,000 para crear dos nuevas galerías y renovar otra.

En 2014, Wright tenía 85 años. Bagley Wright había muerto en 2011. Había cerrado el Wright Exhibition Space. Evaluó su legado y comenzó a donar el resto de su colección de arte. Los Wright habían donado previamente un conjunto de impresiones litográficas de Mungo Thomson (n. 1969) a la Henry Art Gallery en 2009, y ahora ella donó 21 fotografías adicionales, un área de especialidad para Henry. Para 2014, los Wright habían obsequiado o formado parte de grupos que obsequiaron más de 100 obras de arte a SAM. Ese mismo año, Wright regaló otras 85 obras de artistas de mediados y finales del siglo XX. La donación de SAM fue noticia en todo el país. Apollo: The International Art Magazine preseleccionó la colección para su "Adquisición del año" de 2014. SAM celebró este regalo en la exposición a largo plazo, "Big Picture: Art After 1945", que estuvo abierta desde 2016 hasta 2021.

Hasta el final de su vida, Wright continuó apoyando las artes. SAM continuó expandiéndose y cambiando y, a fines de la década de 2010, el museo renovó y amplió modestamente el Museo de Arte Asiático de Seattle. La Fundación Virginia y Bagley Wright apoyó este esfuerzo en su nivel más alto, donando más de $1 millón. Entre 2015 y 2019, los obsequios prometidos por los Wright se donaron en su totalidad a SAM, y también se adquirieron otros obsequios y obras financiados por Wright.

Virginia Wright murió de linfoma de Hodgkin el 18 de febrero de 2020, a la edad de 91 años. Fue conmemorada como "el ícono de Seattle [que] cambió el panorama cultural del noroeste del Pacífico" (Kiley, Seattle Times) y "[la mujer que ] construyó una de las colecciones de arte contemporáneo y de posguerra más importantes del país y ayudó a transformar la escena artística de Seattle" (Durón, Artnews). El columnista de la revista de la Universidad de Washington, Quinn Russell Brown, señaló: "Gracias a la generosidad y la visión [de los Wright], [su colección] permanecerá en Seattle, y en la Universidad de Washington, a largo plazo... parece que su auténtico conocimiento del campo informó cómo coleccionaba y cómo concebía esa colección viviendo más allá de su propio disfrute de ella" (Brown). Tras la muerte de Wright, se donaron 19 fotografías de la Colección Wright a la Galería de Arte Henry y 40 obsequios prometidos pasaron a formar parte de la colección permanente de SAM. SAM honró el regalo de Wright con la exposición "La ciudad del mañana: Jinny Wright y el arte que dio forma a un nuevo Seattle", que estuvo abierta desde octubre de 2020 hasta enero de 2021.

El hijo de Wright, Charles, explicó que "el arte era una pasión intensa y privada para ella: las artes y el coleccionismo de arte... Lo bueno es que encontró una manera de canalizar esa pasión para el mayor beneficio de la comunidad de Seattle" (Kiley , "Virginia Wright, coleccionista de arte..."). Sus obsequios perduran en Seattle en el campus de la UW, la Galería de Arte Henry, la colección de arte cívico de la ciudad y el Museo de Arte de Seattle, pero también perduran en otros lugares: en una colección de esculturas de renombre en Bellingham, en obsequios de arte y apoyo a museos desde Olympia hasta Spokane, y en una pasión por el arte moderno y contemporáneo que inspiró a muchos habitantes de Washington.