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En una búsqueda para buscar las mejores exposiciones en galerías de los Estados Unidos cada mes, Galerie viajó al oeste desde la ciudad de Nueva York hasta Chicago y Los Ángeles para encontrar las mejores exposiciones individuales de octubre. Desde las pinturas y esculturas de Beatriz Milhazes que mezclan la alta y la baja cultura en Pace y la cerámica experimental de Masaomi Yasunaga en la Galería Lisson, ambas en Manhattan, hasta las coloridas esculturas de Aaron Curry que se inspiran en los maestros modernistas en la Galería David Kordansky en Los Ángeles, estos son los imperdibles. espectáculos perdidos este mes.

Beatriz Milhazes, Cirandinha, (2022). Foto: Cortesía de la Galería Pace

Trabajando a través de una variedad de estilos estéticos, la artista brasileña Beatriz Milhazes mezcla alta y baja cultura, bellas artes y tradiciones artesanales populares, en sus coloridas pinturas tipo collage, obras en papel e instalaciones. Mejor conocida por sus potentes abstracciones a gran escala, que exhibe desde la década de 1980, la artista radicada en Río de Janeiro volvió a emplear elementos figurativos en su trabajo en 2017. Como resultado, referencias a la naturaleza como flores, árboles, el agua, las estrellas y los soles son tan evidentes como los patrones, las rayas y las formas geométricas en las pinturas recientes expuestas en su primera exhibición en Pace desde que se unió a la galería en 2020. La exhibición también marca la primera exhibición individual de Milhazes en Nueva York en casi una década.

Inspirándose en los movimientos creativos brasileños identificados como Antropofagia (la canibalización de otras culturas) y Tropicália (una fusión de tradiciones brasileñas y estilos extranjeros), el artista captura los colores y las formas de los cielos azules, las playas soleadas, los jardines exuberantes y el estilo barroco de Río. arquitectura a través de diez lienzos animados en la galería del segundo piso de Pace, mientras canaliza el espíritu de la legendaria celebración del Carnaval de su ciudad natal con una sensacional escultura floral suspendida del techo alto del espacio del séptimo piso de la galería.

Hasta el 29 de octubre

Masaomi Yasunaga, Vasijas fusionadas, (2021). Foto: Cortesía de la Galería Lisson

Haciendo su debut en una exhibición en Nueva York, el artista de cerámica japonés de vanguardia Masaomi Yasunaga presenta una forma de escultura de cerámica que rara vez se ve en la ciudad o en muchos lugares fuera de Japón. Rebelándose contra las técnicas tradicionales de alfarería de Japón, utiliza esmalte en lugar de arcilla como material de construcción principal. Bobina construida sobre un volante, el esmalte se combina con materias primas como rocas, minerales formadores de rocas, metal y polvos de vidrio y luego se entierra en capas de arena o caolín (una arcilla blanca blanda) para cocer en el horno. Una vez sacadas del horno, sus formas escultóricas primordiales son excavadas de sus lechos como hallazgos arqueológicos.

Exhibiendo más de 50 vasijas experimentales sobre una larga base de grava que recorre la galería, Yasunaga, quien una vez mezcló las cenizas de su abuela con esmalte para hacer un arreglo de urnas de porcelana blanca para cristalizar sus pensamientos y recuerdos de ella, crea belleza. en su forma más pura y primitiva.

Hasta el 15 de octubre

Omar Ba, Derecho a la tierra – Derecho a soñar #1, (2022). Foto: Cortesía Templon

Una estrella en ascenso en la floreciente escena del arte africano contemporáneo, Omar Ba ha dividido su tiempo en los últimos años entre Dakar, Ginebra, París, Nueva York y Bruselas, donde actualmente tiene un estudio. En su práctica emergente, Ba desarrolla un punto de vista cosmopolita sobre África y la comunidad negra que se filtra a través de su perspectiva altamente sofisticada. Recién salido de una exposición en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica y con destino a una exposición individual en el Museo de Arte de Baltimore en noviembre, el artista inauguró el puesto avanzado de Nueva York de la venerable galería Templon con una serie de poderosas pinturas que pretenden reescribir Historia africana y reparación de injusticias.

Comenzando sus pinturas, que se realizan sobre lienzo y cartón, ennegreciendo el suelo, el artista desarrolla sus figuras en la superficie desde la oscuridad, con pinceladas asertivas e imágenes inquietantes. Mezclando lo personal con lo político, trabaja a partir de fotografías de familiares y amigos mientras comenta sobre la opresión colonial, temas de inmigración y temas de caos, destrucción y dictadura. Inspirado en la filosofía panafricana y el movimiento Black Lives Matter, Ba fusiona el folclore africano tradicional con el simbolismo global para conjurar un tentador espacio de optimismo para aquellos que están dispuestos a soñar.

Hasta el 29 de octubre

Sheree Hovsepian, Modelo, (2022). Foto: Cortesía del artista y Rachel Uffner Gallery

Borrando el límite entre la abstracción y la figuración, Sheree Hovsepian mezcla la fotografía figurativa con elementos encontrados y construidos en una variedad de materiales para idear imágenes contemporáneas con un toque modernista. Al fotografiar detalles de su cuerpo desnudo, flores cultivadas y objetos prácticos en su estudio (como un ovillo de hilo o un rollo de cinta adhesiva), la artista nacida en Irán y educada en Estados Unidos ensambla las partes en fotomontajes en cajas con piezas de madera cortada, cuerdas clavadas y cerámica moldeada sobre bases de terciopelo negro para construir cuadros poéticos que están llenos de sensualidad pero igualmente provocadores.

Hovsepian, una de las artistas destacadas en la atractiva exposición "La leche de los sueños" de Cecilia Alemani en la 59.ª Bienal de Venecia, ha ampliado su práctica hacia nuevas formas de trabajar en su primera exposición individual con la Galería Rachel Uffner. Haciendo dibujos en blanco y negro con la tinta utilizada para revelar impresiones fotográficas digitalmente y construyendo esculturas de cerámica hechas a mano que están vidriadas en una paleta similar a sus fotomontajes enmarcados en blanco, negro y marrón, proporciona puntos de descanso armoniosos entre sus piezas visualmente más complejas al tiempo que abre la puerta a nuevas posibilidades para su estilo único de arte performativo.

Hasta el 5 de noviembre

Sara Anstis, La caza, (2022). Foto: Cortesía del artista y Kasmin

Aprovechando la mitología minera para una interpretación más femenina, Sara Anstis crea pinturas al óleo figurativas de ensueño e inquietantes pasteles suaves sobre papel de mujeres jóvenes desnudas que se comunican encantadoramente con la naturaleza. Nacida en Estocolmo y criada en una pequeña isla de Canadá, la artista londinense construye escenarios surrealistas con paisajes áridos y criaturas juguetonas para que sus femme fatales los atraviesen. Exhibiendo internacionalmente desde 2019, después de casi una década de estudios, Anstis está haciendo su debut en una exposición individual en Nueva York con pinturas y obras en papel tan fuertes y psicológicas que anticipamos ver más de sus atractivas obras de arte en los próximos años.

Hasta el 29 de octubre

Robert Burnier, Silencioso como estrellas en la noche, (2022). Foto: Cortesía del arte y Andrew Rafacz

Al mismo tiempo que presenta una exposición individual en Sudáfrica y nuevas obras con dos galerías en el Frieze London de la próxima semana, el escultor de Chicago Robert Burnier está claramente en racha. Al construir abstracciones caprichosas montadas en la pared a partir de láminas de metal en bruto, pintadas con aerosol con la paleta de artefactos africanos, mediterráneos y mesopotámicos, Burnier ha estado fascinado durante mucho tiempo con la naturaleza sublime del color y la forma. Usando alicates, tablones de madera y pura fuerza muscular para dar forma a las obras de arte minimalistas en su exposición individual en Andrew Rafacz, el enérgico artista dobló, envolvió y dio la vuelta al metal duradero para crear formas comprimidas, que en su suma precisa , "retienen la historia de su propio devenir", que es un método de desarrollo muy parecido al humano.

Hasta el 29 de octubre

Patrick Martinez, Paisaje de estacionamiento, (2022). Foto: Cortesía del artista y Charlie James Gallery

Teniendo en cuenta su vida y ciudad natal como un nuevo padre, el artista residente en Los Ángeles Patrick Martínez ha concebido un cuerpo de trabajo atractivo que mira hacia el futuro contemplando cómo su familia podría encajar en el cambiante paisaje urbano mientras vislumbra su propia crianza en Pasadena y el Valle de San Gabriel. Al hacer pinturas y esculturas que reflejan los murales, letreros y paredes texturizadas del vecindario hispano del este de Los Ángeles, Martínez recrea las imágenes vibrantes de los anuncios de tiendas familiares y restaurantes latinos y las paredes descoloridas de escuelas y centros comunitarios.

Aplicando todo, desde estuco, azulejos de cerámica decorativos y pancartas de vinilo hasta tiras de neón y letreros LED en la superficie de sus pinturas, el imaginativo artista utiliza los elementos exactos y colores animados para capturar el sabor de los sitios que se desvanecen y los aspectos envejecidos de un reino. eso está amenazado con la gentrificación a diario. Es bien sabido que una vez que los artistas comienzan a prestar atención a un vecindario, los desarrolladores inmobiliarios pronto los seguirán. Al hacer arte con lo que puede ver ahora, seguramente habrá algo para que sus hijos, e incluso las generaciones posteriores, recuerden.

Hasta el 22 de octubre

Aaron Curry, Blue Thing (Figura sentada), (2022). Foto: Lee Thompson; Cortesía de la Galería David Kordansky

Ampliamente exhibido y coleccionado, el artista Aaron Curry ha estado exhibiendo con David Kordansky desde justo después de obtener su MFA de Art Center College of Design en las cercanías de Pasadena en 2005. Volviendo para su cuarta exposición individual en la galería, el escultor y pintor con sede en Los Ángeles presenta un nuevo grupo de esculturas de aluminio pintado que son lo suficientemente grandes como para estar de pie en el suelo o en posición vertical al aire libre y lo suficientemente pequeñas como para descansar sobre pedestales de tamaño mediano. Caracterizaciones caricaturescas que se inspiran en titanes del medio como Alexander Calder, Joan Miró y David Smith, las divertidas piezas emplean la construcción industrial al mismo tiempo que la imitan con remaches bien colocados y firmas recortadas.

Comenzando con dibujos de bocetos que el artista luego renderiza digitalmente, las esculturas evolucionan hasta convertirse en maquetas de papel antes de ampliarse a escala como obras de arte fabricadas. Pintadas en colores vivos con elementos resaltados que hacen que las piezas destaquen, las obras cómicamente sofisticadas de Curry rinden homenaje incluso mientras se burlan de los maestros modernistas que admira con tanta claridad.

Hasta el 22 de octubre

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